jueves, 6 de abril de 2017

LAS PRIMERAS PINTURAS DE LA CAPILLA SIXTINA. Parte VI

En la Quinta posición se enfrentan las pinturas;  "El Castigo de Coré , Datán y Abirón" también conocida como "El Castigo de los Rebeldes" de Sandro Botticelli y "La entrega de las llaves a San Pedro " de Pietro Perugino, ambas pinturas son consideradas las mejores logradas y de hecho, las más conocidas de todo el conjunto.

Antes de comenzar el comentario de cada una de ellas individualmente, hay un detalle que es común para ambas, y es la referencia al arco de Constantino, que en la pintura de Boticelli es el principal  protagonista ya que esta dibujado en una magnitud que abarca casi la tercera parte del Cuadro, Perughino no quiso ser menos y lo pintó dos veces en ambos extremos de la misma.
El Arco de Constantino  es un arco del triunfo que se encuentra entre el Coliseo y la colina del Palatino, en Roma. Se irguió para conmemorar la victoria del emperador Constantino I el Grande en la batalla del Puente Milvio, el 28 de octubre de 312. Constantino  gobernó desde el año 306, hasta su fallecimiento en 337 pero lo más trascendental de su reinado fue que durante el mismo,  terminó con el culto estatal pagano en Roma y decretó el fin de las persecuciones contra los cristianos. El arco construido en su homenaje, representa su poder a través del arte.

Estampillas relacionadas con el Arco de Constantino[1]

La presencia del Arco en ambas pinturas no solo refleja la influencia de Constantino en la religión católica, sino que vincula lo acaecido en el época de Moisés relatado  por  el Antiguo Testamento y reflejado en las pinturas del muro Sur , con las narraciones del Nuevo Testamento reflejado en las pinturas del muro Norte. En este caso el Arco funciona como un Puente entre ambos acontecimientos.
El fresco de Boticelli deberá leerse de derecha a izquierda. A la derecha Josué salva a Moisés de la furia de los rebeldes quienes enarbolan sendas piedras con el objetivo de lapidarlo, los judíos se encontraban   irritados contra Moisés  por las diversas pruebas que les estaba haciendo pasar desde su éxodo de Egipto. Ellos eran dirigidos por Coré,  junto a Datan y Abiron, todos sacerdotes levitas.
Al centro Moisés alza la vara invocando a Dios, mientras que en segundo plano Boticelli dibuja a Aarón, su hermano, con una túnica azul, balanceando su incensario con una postura erguida y llena de dignidad, mientras que sus rivales se tambalean y caen al suelo con sus incensarios.
A la izquierda del fresco, los rebeldes son tragados por la tierra, mientras que los dos hijos de Coré, que no apoyaban las acciones de su padre, aparecen flotando en una nube, liberados del castigo divino.



Lo más relevante del cuadro es que en el Arco de Constantino se puede leer el mensaje: " Nadie se atribuya la honra del Sumo Sacerdocio si no ha sido llamado por Dios, como Aarón" que indica claramente que el castigo de Dios caerá sobre aquellos que se oponen a los líderes designados por Él, lo cual Boticelli acentúa colocando una tiara papal sobre la cabeza de Aarón quien representa, en este caso el predecesor del Papa.

El cuadro de Perughino, La entrega de las llaves a San Pedro, también está cargado de simbolismos y mensajes;  al fondo entre los dos arcos de Constantino, dibuja un Templete, que hace referencia al Templo de Salomón, (recordar que la propia capilla Sixtina, por sus dimensiones es en sí misma  una auténtica referencia al Templo), de este modo unifica las referencias a Salomón-Constantino-El Papa, representado por Pedro, el primer Papa, a quien Jesús entrega las llaves, haciéndolo custodio de las puertas celestiales, acompañado del resto de los apóstoles que se distribuyen a ambos lados de Jesús y Pedro.



Dos escenas se destacan  en segundo plano; los episodios delpago del tributo, a la izquierda y a la derecha de la intentada lapideción de Cristo.
Pero más allá de los mensajes, la pintura está considerada como la obra más importante realizada por    Perughino en toda su vida. El desarrollo de la perspectiva,  el tratamiento de la vestimenta de cada uno de los personajes, sus rostros; no solo el de los que aparecen en primer plano, sino aquellos que están en otros planos menos detallados, los arboles del fondo, completamente identificados como originarios de su ciudad natal Umbria y finalmente el desarrollo arquitectónico en el cual se mueven todos los personajes hacen que esta obra provoque un gran impacto y una originalidad indiscutible para su época.
Un último detalle común a ambas pinturas; tanto Botticelli, como Perughino, se autorretratan entre los personajes de  sus obras; en la Primera, según muchos entendidos,  Boticelli es el joven ubicado cercano al margen derecho de la pintura que mira fuera del cuadro, como si no perteneciera a él, en la Segunda; Perughino  es, sin lugar a dudas, el personaje también ubicado hacia la derecha  del cuadro que mira al pintor, es decir a sí mismo.



Definitivamente, ambas pinturas muestran los mejor de cada uno de sus autores y a su vez aúnan en sí mismas la magnificencia del conjunto al cual pertenecen.
JOSE BELLIDO DE LUNA, Santiago, Abril 2017.



[1]  Izquierda: Las Milicias Negras desfilando bajo el Arco de Constantino, emitido en Italia 1935 durante el Gobierno de Benito Mussolini. La sobrecarga de la estampilla era para financiar la Institución.
Central: Arco de Constantino, serie emitida en Italia en 1959, con motivo de las Olimpiadas de Roma de 1960.
Derecha: Sección del Friso Trajano del Arco de Constantino. Serie emitida en Italia 1941, también durante la época de Mussolini, con la sobrecarga para financiar a las Camisas Negras, sobrenombre con el cual eran llamadas las tropas de choque del Dictador.

martes, 4 de abril de 2017

LA ESTAMPILLA CHARCOT DE LA ANTÁRTICA


Freddy Lemus L.

Zarpe del Pourquois Pas? desde el puerto el Havre el 15.08.1908

En 1907 el explorador y científico francés Jean Baptiste Charcot, comenzaba a preparar su segunda expedición al continente Antártico, para lo cual encargaba la construcción de un nuevo buque, el cuarto Pourquois-Pas?. Éste era un buque de exploración polar de tres mástiles, equipado además con un motor, tres laboratorios y una biblioteca. Fue diseñado y construido por François Gautier en los astilleros de su propiedad. La expedición antártica se desarrolló entre 1908 a 1910 a bordo del Pourquois-Pas?, incluyendo un invierno pasado en la isla Petermann (65°10”S).


Estampilla Charcot

La estampilla tiene un formato de 36 x 40 milímetros, medidas del marco exterior, está impresa totalmente en azul oscuro en papel algo delgado azulado, la estampilla del Pourquois Pas? parece ser un cliché, mientras que el marco está formado por líneas de regla de imprenta, incluyendo las  leyendas, arriba POLE SUD – EXPEDITION CHARCOT, y abajo POURQUOIS PAS?.


 Tarjeta postal enviada desde Punta Arenas el 18.12.1908 a Francia franqueada con una estampilla Charcot y 3 sellos de 2 centavos N° 69

La tarjeta postal nos demuestra que en la segunda expedición al continente antártico realizada por el explorador y científico Jean Baptiste Charcot entre 1908 y 1910, se emitió la primera estampilla del continente Antártico.

La estampilla de color azul tiene la inscripción POLE – EXPEDITION CHARCOT, POURQUOI PAS?, el sello Charcot tiene  cuatro grandes márgenes y tres líneas cancelación que dice: Expedition Francaise – Pole Sud – Pourquois Pas? , y está además franqueada con tres sellos 2 centavos de Chile, y cancelada con un matasello de doble anillo de Punta Arenas, fechada el 18 de diciembre de 1908, con felicitaciones de Navidad desde la Isla Decepción. Esta tarjeta es enormemente rara, teniendo en cuenta que es el único ejemplar de la estampilla de Charcot visto sobre una pieza postal.

Fuentes:

Chile Filatélico N° 249, Derek Palmer

Página web www.wikipedia.com




domingo, 2 de abril de 2017

LAS PRIMERAS PINTURAS DE LA CAPILLA SIXTINA. Parte V

En la Cuarta posición se encuentran los frescos  que serán comentados en esta entrada "La Adoración del Becerro de Oro" y "El Sermón de la Montaña"; ambas del pintor florentino Cosimo Rosselli .



En esta entrada antes de comentar las pinturas nos referiremos a los contratos que realizaban los artistas con sus mandantes, en este caso, el Vaticano.
No se disponen datos publicados acerca de cómo fue realizado el contrato individual de cada uno de los participantes en el conjunto de obras que se realizaron, sin embargo SI existe la suficiente documentación relativa a los contratos que suscribía Miguel Ángel,  quien no solo anotaba las cantidades que recibía por cada trabajo sino, que llevaba un registro minucioso de cada gasto que realizaba en cada obra que llevaba a cabo.
Es importante destacar que en esa época el "artista" no tenía el perfil que se le da actualmente, era simplemente un "artesano o maestro de obras". Los contratos que se realizaban,  haciendo un símil con los actuales, era un contrato "A Suma Alzada", es decir, un monto total por el trabajo, algunos de los cuales incluían "Especificaciones Técnicas" claramente establecidas en las cuales se pactaba, desde el contenido de la obra que se deseaba, hasta la calidad y tipo de materiales a emplear.
El artista recibía la zona de trabajo en obra gruesa, por tanto el debía costear los trabajos iniciales de estucado grueso y fino, la colocación del yeso, la compra de los pigmentos y el salario  de los ayudantes  que normalmente se ocupaban no solo de completar las pinturas, sino también de las partidas menos  artísticas, el "maestro" que en este caso era el autor de la pintura,  se ocupaba de realizar los esbozos y contornos de lo que se pintaría sobre el papel "matriz", mientras que los ayudantes se encargaban de perforar el papel y marcar con carboncillo la superficie a pintar, con posterioridad el maestro definía los colores, y los aplicaba el mismo o designaba sus discípulos mas aventajados para que realizaran la aplicación, siempre bajo su supervisión.
Respecto a los colores, el más caro era el azul ya que provenía del lapislázuli que en esa época solo se importaba desde Afganistán, llegando a tener precios superiores al oro, por lo cual su uso era celosamente controlado. Como el papel tampoco era económico, muchos pintores guardaban sus matrices y las empleaban más de una vez, tal es el caso de Botticelli, del cual muchos de  los estudiosos de sus pinturas han encontrado semejanzas muy "exactas" en muchas de sus obras.
Cada pintor tenía sus propias teorías económicas acerca de la rentabilidad de sus trabajos, Perughino por ejemplo era uno de los mas "productivos" y tenía muy bien organizado y controlado el trabajo de sus ayudantes, por lo mismo, logró hacer cinco pinturas mas el mural de la Ascensión de la Virgen. También se realizaban "subcontratos" entre los artistas más afamados y los menos famosos, los cuales incluían condiciones diversas como podría ser el reconocimiento o no de la "autoría" de la pintura a realizar por el subcontratado. Se conoce por ejemplo que "Pinturicchio" era el discípulo más aventajado de Perughino, y sin embargo no posee la autoría de ninguna obra, mientras que Biagio D'Antonio era colaborador de Cosimo Rosselli quien le concedió la autoría del "Paso del Mar Rojo", pintura en la  que trabajaron conjuntamente, Cosimo también utilizó de ayudante a su yerno Piero di Cosimo quien después se convertiría en un gran pintor. lo cierto es que este ultimo admiraba tanto a su suegro, que a su muerte cambió su nombre original que era Piero di Lorenzo.
Otra entrada "extra" que recibían los artistas provenía de la ubicación de distinguidos personales de la época en las grandes obras como las que estamos analizando, existen estudios muy minuciosos que identifican los rostros de las pinturas con grandes personajes de la época, no solo romanos, sino muchos florentinos, de donde provenían la mayoría de los artistas.

Comenzaremos a comentar las pinturas de las estampillas  observando la imagen ampliada que en ellas aparece, con mucho más detalle.

En "La Adoración del Becerro de Oro", pintura también conocida como "La Entrega de las Tablas de la Ley" hay cinco escenas claramente diferenciadas entre sí,; en la parte superior, Moisés recibe las tablas de mano de Dios en el monte Sinaí,  en Primer plano de izquierda a derecha, Moisés desciende con las tablas que incluyen los Diez Mandamientos, al centro Moisés rompe las tablas enfadado con su pueblo  por la adoración de estos al Becerro de Oro, en el extremo derecho, el becerro de Oro que fue fundido con el oro y las joyas que aportó el pueblo hebreo mientras duró la ausencia de Moisés, un poco desplazada hacia arriba, la escena del castigo de los judíos idólatras. En todas las escenas aparece un personaje con una túnica azul acompañando a Moisés, se trata de Josué quien pasaría a ser a partir de este momento su lugarteniente, convirtiéndose más tarde también en profeta.


En la estampilla de la izquierda la escultura de Moisés realizada por Miguel Angel para la tumba del Papa Julio II, al centro las Tablas de la Ley y en el extremo derecho El Monte Sinaí.
Cuarto Fresco Ala Norte "El Sermón de la Montaña".
 Cosimo Rosselli,  siempre con la  ayuda de su yerno Piero di Cosimo, también pintaron el fresco referido a la vida de Jesús que enfrentaba la entrega de las tablas de la ley.
 La obra muestra el sermón conocido como "Sermón de la Montaña". también muestra una escena en la cual un leproso aparece de rodillas, implorando la curación milagrosa. Ciertamente ambas escenas no tienen relación bíblica ninguna, por lo cual algunos admiten que el hecho de unirlas fue simplemente una licencia del pintor.
 Lo cierto es que Cosimo usó colores bien vivos que consiguieron "deslumbrar los ojos del papa" y consiguió un premio en metálico que el pontífice había prometido al pintor más valiente y magnífico de los que decoraron la Capilla Sixtina, según relata Giorgio Vasari, también pintor y arquitecto de la época, en su libro "Las vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos" escrito en 1550 que contenía las biografías de los mas afamados pintores del "Renacimiento", palabra cuya autoría también se le reconoce.


Aerograma emitido por el Vaticano en 2011 conmemorando el 500 aniversario del nacimiento del artista.
Entonces sin lugar  dudas, hubo otra entrada para el grupo de pintores, que también fue un incentivo para su obra creativa, EL PREMIO a la obra que más impresionara al papa, aun cuando muchos conocedores del tema, no estuvieron de acuerdo con él.
JOSE BELLIDO DE LUNA, Santiago, Marzo 2017.